WebThéâtre : Actualité critique des spectacles, théâtre, opéra, musique, danse - Paris et régions, Belgique, Espagne

Rencontre avec Snowden de Sylvain Bastonero

Brigitte Coutin — 2026-07-25T01:36:23Z

Pour composer sa pièce Rencontre avec Snowden, l'auteur et metteur en scène Sylvain Bastonero s'est appuyé sur les travaux de Flore Vasseur qui a réalisé un documentaire sur Edward Snowden. La pièce débute par la rencontre fortuite de Flore Vasseur et Larry Lessing dans un train. A la fin de leur discussion, il lui propose de rencontrer Edward Snowden qui a trouvé refuge en Russie. La suite de la pièce évoque l'histoire de cet informaticien américain qui révéla les écoutes de la NSA, et quelques événements marquants dans la vie de Flore Vasseur.
La pièce débute en 2001. Les attentats du 11 septembre bouleversent l'ensemble de la planète. Edward Snowden, désireux de servir son pays s'engage dans l'armée puis se retrouve recruté par la NSA comme informaticien, habilité « secret défense ». C'est à cette époque qu'il rencontre, via internet, Lindsay Mills avec laquelle il vit une histoire d'amour. Progressivement Edward Snowden prend conscience des agissements de la NSA qui espionne les citoyens. Il mesure les dangers que ces pratiques font peser sur les libertés, la démocratie et décide de révéler cette face sombre de cet organisme. Sa formation d'informaticien se révèle utile pour récolter des preuves mais conscient des risques et des conséquences , il traverse des moments de doutes vertigineux que le comédien parvient parfaitement à nous faire comprendre. Pour protéger sa compagne, le silence est obligatoire mais n'est-ce pas aussi trahir son amour, sa confiance ? Des questions éthiques et sentimentales qui traversent le personnages.
De son côté, Flore Vasseur suit son petit ami à Kaboul et très vite elle déchante sur l'efficacité de l'aide à la reconstruction octroyée par les Occidentaux. L'argent ne parvient jamais à ceux qui en ont besoin et sert à entretenir des consultants inutiles. Scandalisée, désillusionnée, elle finit par quitter l'Afghanistan et son petit ami, rentre en France où elle se consacre à l'écriture et à la réalisation de documentaires pour la télévision. Elle centre son travail sur l'évolution de la démocratie.
Pour donner corps à ce récit complexe, la pièce s'appuie sur quatre interprètes remarquables. Les comédiens se partagent une multitude de rôles en incarnant tour à tour les collègues, les agents de l'ombre, Flore, le couple formé par Edward Snowden et Lindsay Mills qui sont les éléments fondamentaux de cette enquête journalistique.
La mise en scène de Sylvain Bastonero s'appuie sur un tempo dynamique et intègre à bon escient les vidéo d'interviews qui éclairent le sujet. La musique de Alexis Tran accompagne le rythme soutenu de la pièce et les comédiens endossent leurs différents rôles avec aisance.
Rencontre avec Snowben est une pièce qui fonctionne comme une piqure de rappel sur les dangers d'internet. La surveillance de masse depuis 2013 a envahi l'espace public, le cyberharcèlement est quotidien et détruit de nombreuses personnes de tous les âges, les fausses informations envahissent les réseaux et l'avènement d'intelligences artificielles dans le quotidien des hommes est-il vraiment une source de progrès ou une magnifique technologie pour mieux contrôler les humains ?
Edward Snoden était révolté par l'espionnage des citoyens par la NSA. Il a tenté de nous alerter. L'avons-nous vraiment écouté ?....

Auteur et metteur en scène : Sylvain Bastonero
Avec en alternance : Alexis Tran, Jérémie Scheffer, Sylvain Bastonero, Cyrielle Buquet, Guillaume Blanchard et Celya Humann
Décors : Julie Rouxel
Musique : Alexis Tran
Effets spéciaux : Anvhi Defaux
Crédit photo : YBD_PHOTOS ou remielabdi

Festival off Avignon jusqu'au 25 juillet
La Factory – Salle Tomasi à 14h40 – durée : 1h15
Spectacle à partir de 12 ans.

Concilier l'esprit de la danse et la pensée de la mort

Hélène Pierrakos — 2026-07-24T11:29:09Z

LORSQUE L'ON EST SENSIBLE à la musique de Mozart, c'est souvent parce que la dimension énergétique de son œuvre y apparaît au moins aussi importante que l'invention sonore ou le génie théâtral en tant que tels. C'est dire que le Requiem du Salzbourgeois se présente comme un objet à multiples facettes, qui ouvre à la plus grande transcendance tout en parcourant des chemins sonores d'une allégresse toute chorégraphique, malgré (ou à cause de) la gravité des mots qui y sont mis en musique. Comme chez Bach, le socle religieux ne fait jamais obstacle à l'inscription de la musique dans le corps, ni au déploiement d'un paysage sonore ancré dans la danse. Le Requiem de Mozart opère une très intéressante fusion entre des éléments archaïsants : inspiration grégorienne (ce qui inspire à Raphaël Pichon, maître d'œuvre de la recomposition musicale du spectacle, une intéressante insertion supplémentaire d'éléments issus du chant grégorien), aspects néobaroques des lignes vocales et des motifs rythmiques, des façons de dire en musique issues de l'opéra (parfois même de la danse, comme par exemple dans le Domine Deus) et des éléments franc-maçons (rôle important du cor de basset, solennité de certains chœurs, etc.).

La source maçonnique est l'occasion de faire entendre, en introduction musicale au Requiem proprement dit, après un Christe factus est d'origine grégorienne chanté tout naturellement a capella par Pygmalion, la magnifique et poignante Meistermusik K 477b, qui n'est autre que la version avec chœur de ce que l'on connaît en général en français sous le titre d'Ode funèbre maçonnique (Maurerische Trauermusik). Dans ce montage musical convaincant, apparaissent au fil du spectacle d'autres pièces rares de Mozart, permettant en quelque sorte de creuser encore un peu plus la dimension transcendentale du Requiem et peut-être d'accompagner la mise en scène de Romeo Castellucci.

L'imagerie de la danse populaire

Mais celle-ci pose maintes questions, dont les deux principales me semblent dotées de réponses scéniques inachevées, pour ne pas dire franchement contestables. Entendre la danse dans la musique de Mozart va de soi, rien de bien révolutionnaire dans cette sensibilité de l'homme de théâtre à cette dimension. Or cette danse rêvée par le spectacle se déploie dans une série de vignettes d'esprit populaire, inspirées successivement par différentes cultures nationales (grecque entre autres, mais aussi venues de contrées plus lointaines). Pourquoi, alors, proposer une chorégraphie si simplette : rondes toutes un peu du même type, danses de petits pas et sautillements répétés ? Comme si Romeo Castellucci et la chorégraphe Evelin Facchini avaient voulu synthétiser plusieurs cultures populaires en une seule – et qui plus est « dansable » par des chanteurs, dont ce n'est pas le métier... Il me semble que la musique de Mozart méritait une réflexion chorégraphique d'une tout autre portée. Pour mémoire, Alain Germain avait chorégraphié en 1987 le Requiem de Mozart et y avait apporté une tout autre profondeur et originalité, en prenant en charge ce projet avec audace et inventivité, cette réalisation restant pour moi un modèle.

Catalogues

L'autre champ de la mise en scène qui m'a laissée dans l'interrogation et le doute, est le catalogue proposé par Romeo Castellucci sur le fond de scène, tout au long du spectacle, de toutes les extinctions qui marquent notre évolution depuis les débuts de la présence humaine sur terre (et même avant, puisque il y est adjoint une très longue liste d'animaux préhistoriques, dont la plupart d'entre nous ne connaissaient pas même le nom...). Requiem pour notre disparition annoncée, bien dans l'esprit de la catastrophe climatique en cours, parcourant en boucle toutes les chaînes d'information et nos consciences anxieuses : on comprend le message, peut-être un peu trop bien, c'est-à-dire dans une certaine facilité qui est aussi, à mes yeux, désinvolture du metteur en scène, malgré le sérieux très didactique de cette interminable liste défilant sous nos yeux. Plus problématique encore : l'indifférenciation, dans cette liste-pensum, des éléments de l'histoire humaine naturellement effacés par l'évolution, comme par exemple les langues, et des éléments soumis à une disparition violente, due au changement climatique, par exemple celle d'espèces encore présentes dans la nature tout récemment et qui se voient détruites par l'activité humaine... Que vient faire par exemple la disparition du latin dans cette succession...?

Comme souvent, on se plonge alors après-coup dans les explications fournies par l'artiste, et dans ce cas, cela n'arrange rien, malgré la beauté des mots prononcés : « Ce n'est pas un hasard, déclare Romeo Castellucci dans l'entretien qu'il a accordé à la dramaturge Piersandra Di Matteo (notes de programme du spectacle), si ce catalogue - que nous voyons se rapprocher avec une angoisse croissante - nous conduit au temps présent de notre existence, à l'extinction de l'ici et du maintenant. Il s'approche progressivement et de manière inquiétante de notre temps et culmine sur un adieu à toutes choses. C'est une forme de disparition à soi-même qui implique la mise en place d'une logique d'adieu progressif à la vie. [...] Dans ce mouvement de rotation, les mots projetés finiront par parler de choses qui m'entourent – moi spectateur – maintenant. L'extinction dont il est question me regarde, c'est la mienne. J'écoute mon propre Requiem. »

Ce dont il s'agit, à mes yeux, dans l'échec de la mise en scène à dire cette « disparition à soi-même », c'est la sur-utilisation de la répétition : répétition des mots, des listes, des listes de listes sur le fond de scène ; répétition des pas, des rondes, des changements de costumes non justifiés puisque les gestes, eux, y sont inchangés. Comme si le mode répétitif tenait lieu de moyen expressif, en une esthétique de la transe, du circulaire assumé. Mais pour rivaliser avec la puissance de la musique de Mozart, si variée, si changeante, si peu dogmatique, il aurait fallu un tout autre engagement théâtral, un travail sur la transe qui ose l'évolution, la modification progressive, la transformation... bref : la composition.

Photo : Monika Rittershaus

Wolfgang Amadeus Mozart : Requiem. Melissa Petit (soprano), Beth Taylor (alto), Duke Kim (ténor), Alex Rosen (basse), Choeur et orchestre Pygmalion, Raphaël Pichon (direction musicale et conception du montage musical), Romeo Castellucci (mise en scène), Evelin Facchini (chorégraphie), Piersandra Di Matteo (dramaturgie). Théâtre de l'Archevêché d'Aix-en-Provence, 8 juillet.

Voir en ligne : Festival d'Aix-en-Provence

SAXBACK (AUTREMENT DIT : SAX DE RETOUR !)

Christian Wasselin — 2026-07-23T20:21:54Z

SAXBACK, c'est le nom de l'ensemble qui réunit deux clarinettes (Louise Marcillat, Cecilia Lemaitre-Sgard), trois saxophones (Mathilde Salvi, Antonin Pommel, Paul Lamarque) et un saxhorn (Tom Claudelle).

Leur premier album, Lumière noire, placé sous le signe du contraste et de la dualité, est composé tout à la fois de créations et de transcriptions. Il nous emmène de Bach et Scarlatti à Beethoven, Berlioz (le « Chant sacré » d'Irlande !) et Debussy, jusqu'à la musique de compositeurs d'aujourd'hui comme Éric Goubert et Bryce Dessner.

Retrouvez Saxback sur la piste des festivals :
– le 25 juillet : Festival musique en chemin / La Romieu
– le 28 juillet : Festival Castel Artes, Mirepoix
– le 5 août : Festival du Monastier
– le 10 août : Festival des Grandes Heures de Cluny

On rappellera ici que la tombe du facteur Adolphe Sax (1814-1894), qui fut enterré dans ce musée romantique à ciel ouvert qu'est le cimetière Montmartre, est fort dégradée et qu'elle fait l'objet d'une souscription visant à sa restauration.

A vau l'eau, chemins d'exil de Wejdan Nassif, traduit par Nathalie Botemps.

Brigitte Coutin — 2026-07-23T16:43:56Z

La compagnie Pardès rimonim, entre 2019 et 2020, entreprend un cycle de recherche sur l'exil et créée avec Passages Transfestival, l'atelier El Warsha, un espace de rencontre par le théâtre entre réfugiés et habitants de Metz. De ce cycle découle la création d'un diptyque avec Après les ruines (2019) et A vau l'eau (2020).
Que deviennent les exilés lorsqu'ils s'installent dans leur nouveau pays ? Pour aborder ce sujet, Amandine Tuffy et Bertrand Sinapi ont choisi de porter sur scène le texte de l'autrice syrienne Wejdan Nassif A vau l'eau qui esquisse son portrait et celui de ses voisins dans la cité de Borny à Metz. Le texte de l'autrice est interprété par la comédienne Amandine Truffy dont le jeu maitrisé et la voix douce et sensible nous raconte le parcours de la famille de Wejdan Nassif. Depuis 1948 ses aïeux d'origine syrienne sont ballotés de pays en pays pour des raisons économiques ou politiques. L'autrice réussit enfin à trouver refuge en France après un séjour au Liban. L'intégration est un combat de chaque instant et le déracinement pèse toujours dans le cœur de la réfugiée : « tu es ici. Mais tu es toujours là-bas » écrit-elle dans son ouvrage A vau l'eau.
Wejdan Nassif est chargée de recueillir les témoignages de ses voisins eux aussi réfugies et qui résident dans la cité. La pièce est composée à partir des récits enregistrés qui font écho à ses paroles. On entend les voix de ces hommes ou de ces femmes venus de Syrie, du Soudan, du Koweit, de la Côte d'Ivoire, de Gaza, du Maroc et bien d'autres pays ravagés par les conflits et les régimes politiques barbares. Les voix s'élèvent et racontent les parcours dangereux de l'exil, les proches morts en cours de route, les voyages interminables et incertains. Toute la souffrance de ces hommes et de ces femmes envahit l'espace avec des mots simples sur un ton neutre qui rendent les récit encore plus poignants ; Ils racontent aussi leur volonté d'apprendre, de jouer au foot, et toute l'importance du téléphone, mémoire de l'exilé qui garde précieusement les photos de là-bas et des proches.
La scénographie très réussie de Goury fait apparaître dans l'espace scénique les parcours de ces exilés. Sur un immense papier kraft, la comédienne Amandine Truffy à l'aide de pinceaux ou de crayon gras, trace des lignes qui dessinent les trajets évoqués au fil des récits. Elle place aussi des figurines, des maquettes d'immeubles, des objets à différents endroits pour redonner une existence à ces êtres meurtris. Cette cartographie de l'exil qui se construit devant nous est émouvante et compose une œuvre picturale qui rend plus concrets les chemins parcourus.
A vau l'eau, est un spectacle délicat et nécessaire, interprété avec finesse par Amandine Truffy dans une mise en scène efficace et esthétiquement réussie.

Texte de Wedjen Nassif , traduction de Nathalie Bontemps
Mise en scène : Bertrand Sinapi
Comédienne : Amandine Truffy
Avec les voix d'Ablema, Anwar, Elisabeth, Irfan, Jamal, Rafiq, Sahid, Wacila, Wejdan et les enfants de l'école 4 bornes de Metz
Compagnie : Pardès rimonin
Scénographie : Gouy
Composition musicale : Lionel Marchetti
Crédit photo : Guillaume Lenel

Festival off Avignon jusqu'au 23 juillet
Le 11, 11 Bd Raspail, 84000 Avignon — à 15H45 – durée : 1 heure

La guerre des Emeus de Antoine Le Frère et Florent Oulkaïd

Brigitte Coutin — 2026-07-23T14:10:48Z

Antoine Le Frère et Florent Oulkaïd s'empare d'un fait historique survenu en 1932 en Australie. Ce pays connaît régulièrement des problèmes avec la prolifération incontrôlée d'animaux qui causent des ravages dans différentes contrées du continent. Les lapins introduits pour la chasse au XIXème siècle sont aujourd'hui un fléau combattu par des méthodes différentes mais guère efficaces. Au début du XXème siècle, l'Australie étend les surfaces de cultures en empiétant sur le territoire naturel des émeus. Les volatiles ne se laissent pas effrayer et saccagent les cultures. Face aux dégâts et pour répondre à la grogne des cultivateurs, le gouvernement décide d'envoyer l'armée pour les anéantir. Ce qui apparaissait comme une action facile et rapide va devenir un vrai fiasco qui ridiculise l'armée australienne.

Le spectacle enchaîne les scènes sur un rythme effréné. Nous passons du cabinet du ministre au campement des soldats, puis à une maison familiale ou encore sur le front. Les différents espaces sont délimités par deux placards où sont rangés les costumes et accessoires et deux caisses. Ces quatre éléments sont manipulés à vue par les comédiens qui endossent aussi différents costumes pour interpréter tous les personnages de la pièce. Une vraie prouesse d'acteurs ! Ils sont justes, vifs et drôles à la fois. La mise en scène est réglée au millimètre pour qu'aucun temps mort vienne perturber le rythme endiablé des deux artistes qui accomplissent une performance physique. Ils sont en perpétuels mouvements, sautent, rampent, se battent et enchaînent les gags.

Envoyer l'armée pour combattre des oiseaux, certes volumineux, paraît une formalité pour le général Mérédith ! il ne va faire qu'une bouchée de ces « grosses poules » ! Le personnage est caricatural par son fanatisme, son caractère bourru, tyrannique et obsessionnel et son langage grossier. Le texte assume d'ailleurs un langage très vert qui bouscule le politiquement correct. Le général Mérédith exécute les ordres du ministre soumis aux impératifs électoraux et financiers qui bien vite se retrouve embourbé dans une situation couteuse et ridicule. Nous découvrons aussi deux soldats aux prises avec les émeus et une jeune femme au foyer délaissée, lucide et qui ne se laisse plus impressionnée par les discours machistes de son époux revenu du front. La scène des retrouvailles est amusante et souligne l'émancipation des femmes pendant les conflits lorsqu'elles assument seules les tâches de la ferme.

La guerre de émeus est une pièce burlesque qui dénonce l'aberration de cette entreprise et de toutes les guerres en général. En exagérant les situations et les dialogues, le spectacle révèle la folie intrinsèque de cette histoire et montre que la réalité, parfois, dépasse la fiction et que l'absurdité est bien une composante de notre monde. Un spectacle drôle, irrévérencieux, mené sur un rythme époustouflant par deux comédiens talentueux et inventifs. Une critique burlesque de la guerre réussie qui fait rire et réfléchir les spectateurs.

Mise en scène : Élisa Mabit , Damien Reynal
Avec Antoine Le Frère - Florent Oulkaïd
Régie : Coriane Alcalde
Photographie : Stéphane Audran -
Costumes : Julie Coffinières -
Diffusion : Alexandra Dugot
Création lumière : Cassandre Germany
Création son : Alex Lefort
Scénographie : Benjamin Mornet -
Dessin : Athos Rouesné-Coffinières
Crédit photo : Sli-K

Festival off Avignon jusqu'au 25 juillet.
Théâtre La Factory – Salle Tomasi, 4 rue Bertrand, Avignon
19h45 – durée : 1h10
Spectacle à partir de 13 ans

Le circuit ordinaire de Jean-Claude Carrière

Brigitte Coutin — 2026-07-23T10:45:09Z

Un bar quelque part dans un pays d'Europe de l'est. Ce choix peut s'expliquer par les origines du metteur en scène Alexandre Tchobanoff qui a vécu les trente-six premières années de sa vie en Bulgarie sous régime communiste. Une jeune femme fait la mise en place et ouvre le volet. Quelques minutes plus tard, entre un homme imposant ( Stéphane Bierry) qui semble être un familier des lieux. Il pose son cartable sur une table et se rend aux toilettes. Arrive alors un autre homme (Yann Collette) qui paraît moins confiant et quelques gestes trahissent une certaine nervosité.
Le circuit ordinaire met face à face un commissaire (Stépahe Bierry) et un rapporteur, un délateur, une taupe (Yann Collette) qui régulièrement fait passer des renseignements par un circuit précis et habituel. Aujourd'hui il a été convoqué pour faire connaissance avec c
le nouveau commissaire. Les enjeux sont de taille. Quel genre d'homme est ce nouveau supérieur ? A-t-il des reproches à formuler ? Est-il une menace ? Autant d'incertitudes qui taraudent le rapporteur qui reste sur le qui vive et répond avec précaution aux questions.
La pièce Le circuit ordinaire est un exemple parfait de précision pour démontrer le mécanisme de la manipulation. Nous assistons à des joutes oratoires ciselées qui provoquent des réactions des plus contradictoires chez les deux hommes. Quelques paroles rassurantes invitent à des confidences qui semblent anodines mais quelques instants plus tard, par un habile renversement, elles deviennent des pièges menaçants. Rien n'est assuré, chaque mot est un danger, les silences sont pesants et les affrontements entre les deux hommes sont sans merci. Toute la violence du régime totalitaire qui espionne chaque citoyen est parfaitement suggérée et la jeune serveuse qui reste muette durant tout le spectacle et prend des notes dans un cahier, incarne bien cette surveillance permanente et dangereuse.
Servie par deux comédiens exceptionnels, la pièce nous plonge dans un univers kafkaïen et orwellien qui fait froid dans le dos. Big Brother est là ! A tout instant, la vie d'un homme peut basculer dans l'horreur suite aux accusations de ses voisins. La pièce explore les rouages, les stratégies de la manipulation. Elle montre comment elle s'insinue dans les relations humaines, comment elle se nourrit des failles, des fragilités, des besoins de reconnaissance. La pièce ne propose pas une vision manichéenne du manipulateur et de la victime. Elle montre au contraire que chacun peut être tour à tour l'un et l'autre, que la manipulation est un système, un circuit — d'où le titre — dans lequel nous sommes tous susceptibles d'être pris.
La mise en scène volontairement sobre permet au texte et aux acteurs magistraux d'occuper tout l'espace et de devenir le centre de l'attention des spectateurs. Le circuit ordinaire est un spectacle fort qui invite à la réflexion sur les dangers de la manipulation qui à tout instant peut s'insinuer dans la vie d'un individu.

Auteur : Jean-Claude carrière
Mise en scène : Alexandre Tchobanoff
Distribution : - Yann Collette - Stéphane Bierry - Prisca Lona
Production : Le Théâtre De Demain
Soutien : Adami déclencheur
Crédit photo : Michel Eid

Festival off Avignon du 3 au 25 juillet 2026 (sauf les mercredis)
Théâtre du Girasole, 24 bis rue Guillaume Puy - 84000 Avignon
A 13h35 – durée 1h15

J'ai 8 ans et je m'appelle Jean Rochefort d'Adèle Fugère.

Brigitte Coutin — 2026-07-23T07:49:26Z

J'ai 8 ans et je m'appelle Jean Rochefort est un seul en scène de Thomas Drelon qui aborde avec beaucoup de subtilité la quête identitaire qui bouscule une petite fille de 8 ans prénommée Rosalie. Un matin, elle sent sous son nez quelque chose de doux et piquant : une moustache ! Elle ne paraît pas très surprise par cet événement un peu saugrenu. Devant ce fait étrange, elle décide que désormais elle se nomme Jean Rochefort et tout son quotidien va être bouleversé. Elle raconte les réactions de ses parents, fort compréhensifs au demeurant, de son instituteur, de ses camarades de classe, de son grand-père ou encore d'un jeune garçon rencontré à la piscine. Jean puisque désormais elle a décidé de se prénommer ainsi, porte sur le monde un regard lucide, sans animosité mais il ne laisse passer aucune injustice. La petite Rosalie souvent se taisait mais Jean ne peut s'accommoder d'une situation qui humilie, rabaisse l'autre. Jean raconte la fête d'anniversaire de Pénélope, une camarade de classe prétentieuse et méprisante envers Simon, son camarade qu'il qualifie de « trop intelligent ». Le récit de cette fête est particulièrement drôle mais elle constitue une satire mordante contre les personnes qui se prétendent supérieures parce qu'elles ont de l'argent. La critique sociale est formulée avec des mots simples sur un ton assez neutre mais elle est juste et fait rire les spectateurs.

Thomas Drelon est vêtu au début du spectacle d'un pyjama écossais en pilou, comme en porte les enfants. Il est assis dans sa chambre sur un tabouret au milieu de ses jouets. Un cadre traditionnel de l'enfance, un lieu de jeu mais aussi de tristesse, de doute et d'inquiétude. Rosalie vit dans une famille aimante pourtant elle ne semble pas épanouie et elle se perçoit comme un clown triste qui rit de l'absurdité de la vie. Le suicide, la mort sont des idées qui traversent son esprit. Cette adaptation réussie du conte d'Adèle Fugère, aborde ces thèmes délicats avec finesse, pudeur et humour. Elle évoque dans un style très simple, le désespoir, les questionnement vertigineux et la souffrance souvent silencieuse que peuvent éprouver les enfants. Les séances chez le psy ne semble pas apaiser Rosalie alors quel soulagement quand l'occasion de changer de personnalité se produit. Pour s'emparer de l'identité de Jean Rochefort, Thomas Drelon revêt un costume composé d'une chemise blanche, d'un pantalon jaune retenu par des bretelles vertes. Toute l'excentricité du comédien en quelques détails vestimentaires, des répliques prononcées sur un ton grave accompagnées de gestes amples font revivre le comédien Jean Rochefort et ses coup de gueule et saillies drolatiques face à certains événements de notre époque. L'hommage est subtil et drôle.
Thomas Drelon avec sa petite voix enfantine entrecoupée des sorties tonitruantes de Jean Rochefort ou des remarques pertinentes du grand-père nous emmène dans le monde de l'enfance, dans l'intimité de sa chambre et nous imaginons facilement les personnes de son entourage et les lieux qu'il fréquente. Quelques projections en fond de scènes prolongent les paroles de l'enfant et apportent parfois une note amusante ou bucolique.
J'ai 8 ans et je m'appelle Jean Rochefort est un spectacle réussi grâce à l'interprétation exceptionnelle de Thomas Drelon, à la justesse de l'écriture simple et poétique et la mise en scène très précise et fluide de Morgan Perez. Les spectateurs rient parfois et sont émus par cette exploration tendre et grave de la complexité des émotions, des sensations et des interrogations d'un enfant.

Autrice : Adèle Fugère
Mise en scène : Morgan Perez
Avec Thomas Drelon
Costumes : Bérengère Roland
Vidéos : Edouard Granero
Création lumières : Patrick Touzard
Scénographie : Capucine Grou-Radenez
Crédit photo : Pascal Riondy

Festival Off Avignon Jusqu'au 25 Juillet
Théâtre des Béliers -53 rue du Portail Magnanen, Avignon
A 11h50 – durée : 1h20

Les évadés d'Amélie Cornu

Brigitte Coutin — 2026-07-22T18:46:54Z

Pour écrire sa pièce Les Evadés, l'autrice Amélie Cornu s'est appuyé sur plusieurs éléments. Le premier fut une interview de l'économiste français Zucman qui présente l'évasion fiscale comme une menace pour la démocratie. « Ne pas payer les impôts que l'on doit est un hold-up bien plus grave, qui affecte directement la santé, la sécurité et l'éducation des plus pauvres. Et fragilise la démocratie. »( Gabriel Zucman). Le deuxième élément fut le collectif français « Sauvons les riches » créé lors de la campagne européenne d'Europe Ecologie, qui se réclame du livre d'Hervé Kempf, Comment les riches détruisent la planète, et préconise un revenu maximal autorisé, de l'ordre de 30 fois le revenu médian. Enfin Amélie Cornu s'est inspirée de son expérience personnelle de militante de la mobilisation citoyenne.
Dans Les Evadés nous découvrons le collectif « Sauvons les riches » qui dénonce les profits importants des actionnaires de Blue Télékom tandis que les salariés auront quelques centimes. Pour illustrer cette inégalité le collectif organise « un concours de lancer de miettes ». Ensuite il s'intéresse à l'évasion fiscale probable d'un candidat à la présidentielle nommé Jacques Trompe dénoncé par un mystérieux lanceur d'alerte. Ce sujet est couvert par Rosa, une jeune journaliste idéaliste, qui infiltre le collectif et se retrouve arrêtée lors d'une manifestation. C'est l'occasion de faire connaissance du policier Martin et de ses collègues. Les différentes scènes dans le commissariat sont plutôt drôles.
Les actions, les scènes s'enchaînent à toute vitesse et les comédiens passent d'un rôle à un autre en un éclair avec une énergie et une implication sans faille. Une perruque, un changement de costume permettent aux six comédiens et comédiennes (Jean Barlerin, Amélie Cornu, Tristan Legoff, Aurélie Noblesse, Cindy Rodrigues et Hugo Sablic) d'incarner une vingtaine de personnages.
La scénographie est assez simple mais efficace pour suggérer différents lieux comme une rue, la salle de réunion du collectif ou le bureau du rédacteur-chef de Rosa. Les rencontres entre Rosa et son supérieur dénoncent la manière dont les sujets sérieux de société sont écartés sous prétexte qu'ils sont ennuyeux et ne font pas le buzz. Un grand écran en fond de scène permet de projeter des reportages, des extraits de journaux télévisés ou des interviews de personnalités.
Le public s'amuse lorsqu'il retrouve des clin d'œil à la réalité avec certains noms dont quelques lettres ont été inversées, HVLM, Patrick Kalboni ou Boléro par exemple, ou des slogans déjà entendus dans les manifestations.
Les Evadés est un spectacle politique qui mise parfois sur le burlesque, l'humour dans les dialogues pour faire sourire le spectateurs mais le sujet n'en reste pas moins sérieux et la satire est sans concession contre l'évasion fiscale, les inégalités sociales et les manipulations de l'information. Amélie Cornu signe une pièce politique qui s'inscrit dans le théâtre militant porté par une troupe de jeunes comédiens et comédiennes pleins de fougue et de conviction qui incarnent parfaitement leurs différents rôles. Ce spectacle dynamique et amusant ne perd pas de vue son objectif : faire prendre conscience des conséquences de l'évasion fiscale.

Texte et mise en scène : Amélie Cornu Interprétation : Jean Barlerin, Amélie Cornu, Tristan Le Goff, Aurélie Noblesse, Cindy Rodrigues, Hugo Sablic
Scénographie & costumes : Amélie Cornu
Collaborations artistiques : André Obadia, Youna Noiret
Création musicale : Fabrice l'Oiseau, Jo Zeugma
Dispositif vidéo : Jean Barlerin
Création graphique : Clément Cornu
Création lumières : Emilie Nguyen

Festival off Avignon jusqu'au 25 juillet
Théâtre La Factory – Salle Tomasi, 4 rue Bertrand, Avignon
A 21h15 – Durée 1h 15

Mécanique d'une famille de Martin Kindermans

Brigitte Coutin — 2026-07-22T16:52:16Z

Martin Kindermans, l'auteur et metteur en scène de Mécanique d'une famille, est d'origine argentine par sa mère et sa famille lui a transmis l'histoire et la culture argentines et notamment des récits concernant la dictature militaire de 1976 à 1983. Lors de son dernier voyage à Buenos Aires, il est particulièrement touché par les portraits des disparus affichés dans les rues de la ville. Dans sa pièce, il aborde le scandale des enfants volés à leur famille biologique et confiés à des proches du pouvoir. Pour évoquer ce sujet, il a choisi le prisme d'une histoire particulière, celle de Soledad qui découvre qu'elle fait partie de ces enfants volés et le temps d'un dîner elle retrouve Constanza qu'elle ne peut plus considérer comme sa sœur. Les discussions sont âpres et douloureuses de part et d'autre. Pour Soledad elle raconte l'histoire de ses parents journalistes qui furent victimes de la dictature. Pour Constanza, il lui faut entendre que son père fut un bourreau. La composition de la pièce compote des va-et-vient permanents entre les deux époques : celle du dîner des deux jeunes femmes en 2009 et des flash-back qui racontent la vie des parents de Soledad. Nous découvrons ainsi les trois années qui ont précédé le Coup d'Etat et les atrocités commises sous la dictature.
Le décor représente un appartement de location assez banal avec un bar côté jardin et une fenêtre en fond de scène côté cour. Cet élément est important pour la composition et la mise en scène. La fenêtre donne sur l'ancien centre de détention de l'Ecole de Mécanique et les horreurs des la dictature s'imposent dans le présent des deux jeunes femmes. La fenêtre délimite un espace qui permet aux comédiens de changer de vêtements et ainsi passer d'une époque à une autre. Les costumes sont essentiels pour les repères temporels et les tenues portées par les parents correspondent à la mode des années 70 tandis pour interpréter les deux sœurs, les comédiennes portent des tenues plus intemporelles.
Mécanique d'une famille aborde un sujet mémoriel avec beaucoup d'émotion et explore les déchirements éprouvés par les enfants volés et par ceux des bourreaux. Comment appréhender cette vérité qui détruit tous les repères de l'enfance et oblige la confrontation avec des êtres monstrueux ? La réussite de Martin Kindermans est de traiter ces sujets de manière sérieuse et avec sensibilité. Valentine Daruty, Marion de Schrooder et Thomas de Fouchécour sont excellents ; ils endossent leurs différents rôles avec une grande aisance et jonglent avec finesse entre les époques et les multiples émotions qui habitent leurs personnages. Mécanique d'une famille est une pièce réussie et nécessaire qui, à travers l'histoire particulière d'une famille rappelle un pan tragique de l'Histoire argentine qui continue à hanter la mémoire des proches des victimes de la dictature.

Texte et mise en scène : Martin Kindermans
Avec Valentine Daruty, Marion de Schrooder, Thomas de Fouchécour
Lumières : Alexis Parmé
Scénographie : Salma Bordes
Costumes : Juliette Thibault
Musique : Léandro Lacapère, Marie-Anne Faupin, Mathias Naon, Clément Combacal
Affiche : Madeleine Daruty

Festival Off Avignon jusqu'au 25 juillet
Théâtre de l'Oriflamme, 3-5 rue du Portail Mathéron, 84000 Avignon
A 17h35 – durée 1h10

D'Avallon à Vézelay

Christian Wasselin — 2026-07-20T21:44:32Z

TOUT COMMENCERA cette année par un programme entièrement consacré à Vivaldi donné en la collégiale Saint-Lazare d'Avallon par Lucile Richardot et l'ensemble Il Caravaggio, que suivront, en la basilique Sainte-Marie-Madeleine de Vézelay, le Requiem de Campra et la Missa « Assumpta est Maria » de Marc-Antoine Charpentier dirigés par Christophe Rousset.

Un programme baptisé « Da pacem » proposé par le Coro e orchestra Ghislieri en l'église Saint-Germain d'Auxerre (Vault-de-Lugny), plusieurs rendez-vous avec Gli Angeli (un concert fondé sur l'antienne Salve Regina, puis une Passion selon saint Jean de Bach) auront leurs adeptes. La basilique Sainte-Marie-Madeleine de Vézelay accueillera aussi un programme Poulenc-Pärt-Wolfe-Bernstein sous la direction du brillant Léo Warinsky.

On pourra entendre également l'ensemble Aedes, le Quatuor Balkanes, l'ensemble Contrastes, et des formations plus exotiques telles que le Trio Diphonique (qui nous promet chant de gorge, khöömii, luths doshpuluur et autre vièle morin khuur) et l'ensemble The Modal Experience qui nous rappellera toute la beauté du chant persan. Sans oublier des ateliers de danse, conférences et bien d'autres rendez-vous inattendus.

Comme l'écrit François Delagoutte, directeur de la Cité de la Voix, « le Vézelay de Romain Rolland n'a pas changé. Comment aujourd'hui ne pas penser à lui, à son pacifisme radical, à son exigence morale, à cette colline, comme refuge d'inspiration et de pensée face au chaos du monde ? Et à sa conception de l'art comme horizon de conscience, de liberté et de fraternité silencieuse ? »

Illustration : Vézelay et sa basilique (photo dr)

Rencontres musicales de Vézelay :
Cité de la Voix, 4, rue de l'Hôpital, 89450 Vézelay, France
Tél. 33 (0)3 86 94 84 40
www.lacitedelavoix.net
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